La Historia También Puede Ser Divertida

Night at the Museum: Battle of the Smithsonian (Estados Unidos / Canadá – 2009)



Dirección: Shawn Levy.


Guión: Robert Ben Garant y Thomas Lennon

Producción: Michael Barnathan, Chris Columbus, Shawn Levy y Mark Radcliffe.

Dirección de Arte: Michael Diner, Anthony Dunne, Helen Jarvis y Grant Van Der Slagt.
Cinematografía (Fotografía): John Schwartzman.
Edición: Dean y Don Zimmerman.
Música: Alan Silvestri.
Reparto: Ben Stiller (Larry Daley), Amy Adams (Amelia Earhart), Owen Wilson (Jedediah Smith), Steve Coogan (Octavius), Robin Williams (Teddy Roosevelt y Hank Azaria (Kahmunrah).
Género: Comedia, Familia.

Calificación: 3

No encontramos nada nuevo en una historia que pretende enseñar que el conocimiento y lo que se aprende en la escuela puede llegar a ser divertido. Nos topamos con una bola de compinches que una vez más utilizan sus imágenes como comediantes ya conocidos para recrear bromas y situaciones que son muy comunes en las películas cómicas de los últimos años. Por eso vemos a Owen Wilson, Ben Stiller y Robin Williams como los esperábamos, no hay ni una oportunidad en la que el espectador pueda tal vez ser sorprendido con algo de mayor calidad, lo que parece ser relevante es que se unen a este pequeño circulo un selecto grupo de actores que han sido hasta el momento nada valorados y que después de haber visto otros trabajos pueden ser considerados para otro tipo de expresiones cinematográficas más apegado a lo artístico, me refiero a Steve Coogan (24 Hour Party People), Hank Azaria (Huff) y Amy Adams (The Doubt). Este grupo genera un ambiente de fiesta que te va haciendo olvidar las inmensas equivocaciones e incongruencias sobre los personajes y contextos históricos, toda una maraña de elementos y características en los personajes que se asemejan más a una representación disfrazada de personajes que han formado parte de la historia cultural, televisiva y cinéfila de los Estados Unidos, por eso vemos a un vaquero más al estilo de Fonzie (Happy Days), a un emperador romano como un simple compañero al estilo de Robin (Batman), a unos Einsteins como genios locos y parlanchines, extrañamente apegados a la música, a un Al Capone que trata de imitar a Robert De Niro y a un Faraón Egipcio con problemas para darse a entender, eso si con un acento del inglés británico que solo nos hace suponer que fue aprendido gracias a los arqueólogos y exploradores de principios del siglo XX.

La historia también puede ser divertida, es lo que nos trata de expresar Ben Stiller por segunda ocasión. Pero tal parece que se trata de un intento de acercar a los niños al material de este afamado actor, una intención de un padre para que sus hijos puedan interesarse en la escuela y sacar buenas calificaciones. La clásica historia sobre un padre o un maestro que se vuelve un modelo a seguir y que por medio de equivocaciones logra hacer que su hijo lo respete y le introduzca a un camino de bien y con base en la amistad y una moralidad que se ha construido a través de los años principalmente por Disney.

De las cosas buenas que podemos rescatar de esta película es que el público no se cree la idea de que se puede aprender de historia y divertirse un rato tan solo viéndola, no existe un pequeño espacio por la cuál se pueda aprender o por lo menos interesar a los pequeños por la historia, ya que estamos frente a una historia de completa incoherencia y de una comedia que se enfoca hacia los momentos físicos, tipo pastelazos, y no en la sátira o la ironía de los personajes que son representados. Es una odisea de falsa historia, tanto narrativa como académica, y que a pesar de todo tal vez pretendía eso, pero que deja de respetar al mismo público reduciéndolo a una simplicidad y a un nivel de ignorancia que ya es común experimentar en la relación de la sociedad frente a la televisión, pero que es todavía respetada un poco por el nivel artístico de la creación cinematográfica en otras películas.

Otra característica que podemos esperar es la unión y compadrazgo que se tienen los actores dentro de la película, una amistad que irradia una atmósfera divertida en la historia, y que para los seguidores de estas “estrellas de Hollywood” les dotará de sonrisas por sus ya tan conocidas rutinas, más que por la historia en sí. A pesar de todos sus fallos y de sus faltas de respeto a un público, puedo destacar que se encontrarán con algunas risas esporádicas, ocasionadas principalmente por aquellos que de verdad dotan de un sentido cómico a las películas y trabajos donde se presentan. A Owen Wilson lo hemos visto en muy buenos momentos sobre todo con Wes Anderson, y Ben Stiller dirigiendo una buen opera prima, Reality Bites, pero este no es más que dos horas de relajo que utilizaron para demostrar lo bien que se llevan entre sí y con los demás actores, cosa que le fascina al público enterarse de esto, y que no se trata de algo que valdría la pena ver.

De toda obra cinematográfica siempre hay algo que sobresale o que por lo menos no es tan malo dentro de lo lamentable, en este caso el elemento que más me llamó la atención para ir a observar esto fue la inclusión al grupo de amigos de Ben Stiller a la actriz Amy Adams, que ha demostrado ser talentosa en las artes de la interpretación, y que ha recorrido un camino hacia su reconocimiento un tanto extraño, ya que va de las grandes producciones, historias infantiles y comedias simples (como ésta) a obras de autor y con un sentido más independiente, artístico y arriesgado como “Doubt” de John Patrick Shanley con Philip Seymour Hoffman y Meryl Streep y la próxima “Julie & Julia” de Nora Ephron. Es una mención especial a una actriz de belleza clásica y natural, que vale la pena observar en sus distintas facetas y que no es reconocida por la excesiva búsqueda y exposición de una fama sintética y plástica que existe dentro del campo de la mercadotecnia del cine en la actualidad.

Lo Mejor: Por supuesto Amy Adams como Amelia Earhart, aunque su interpretación tal vez sea olvidada por el próximo estreno de Hillry Swank en un Biopic (película biográfica) sobre este mismo personaje que representa valentía y oros valores de la historia norteamericana con enfoque de género.

Lo Peor: Ben Stiller siendo como es siempre no hace reír por el mismo, eso si sabe reunirse con otros personajes de Hollywood para hacer pasables y hasta buenas comedias, y si no me creen recuerden a Robert De Niro y Dustin Hoffman en “Meet The Fockers”, o Robert Downey Jr. y Nick Nolte en “Tropic Thunder” y en esta película a la bella Amy Adams.

La Leyenda Por Una Leyenda

Shine A Light (Estados Unidos / Gran Bretaña – 2008)



Dirección: Martin Scorsese.



Guión:
Producción: Steve Bing, Michael Cohl, Victoria Pearman, Zan Weiner y The Rolling Stones.
Dirección de Arte: Star Theodos.
Cinematografía (Fotografía): Robert Richardson
Edición: David Tedeschi.
Música: The Rolling Stones.
Reparto: Mick Jagger, Keith Richards, Ron Wood, Charlie Watts, Martin Scorsese, Jack White, y Buddy Guy.
Género: Musical.

Calificación: 10

La música es un arte que la mayoría de los individuos goza como una forma y un momento de escape de la realidad, es una forma de expresión que emana energía y nos permite recordar todo tipo de sensaciones, desde una imagen hasta un olor o un sabor. En el caso de la música popular y el rock en particular, el breve momento de una canción que tiene una duración de unos 2 a 5 minutos por lo general, es posible repetirlo gracias a la tecnología, pero para quienes verdaderamente viven la música como un arte le dan gran importancia al momento y al espacio de una presentación en vivo, volviéndose la esencia pura del arte de la música. La sabiduría de los músicos se basa en la transmisión de sensaciones comunes e intensas a través de su arte (la música) y que no es posible repetir cientos de veces en una simulación electrónica, el espacio por el cuál logran cautivar a la sociedad es en el escenario y por momentos que siempre terminan siendo demasiado efímeros. Por eso el escenario de The Rolling Stones es el espacio principal de lo que Martín Scorcece pretende expresar dentro de una obra cinematográfica; este espacio junto a los actores principales, que son los músicos, son todo el fondo que necesita el veterano director para poder hacer sentir a los espectadores que la historia o la trama se encuentra en los movimientos y la voz de Mick Jagger, en la música de Keith Richards, en la guitarra de Ron Wood y en el ritmo de Charlie Watts. Cada quien hace de esas casi dos horas una historia personal, la cámara vuela a través de la música de esta legendaria banda, que acompañada de momentos previos al show y de muy buenos invitados nos muestra los elementos esenciales tras un momento de expresión y energía que se vuelve personal aunque se dirija a miles de personas tras la cámara y frente al escenario mismo. El espacio del escenario es lo primordial, darle otro sentido o contar otra historia aunque más íntima le quitaría el sentido de leyenda a quienes han vivido ya más de cuarenta años en ese espacio.

Martín Scorcece sabía muy bien que no había otra forma de representar y expresar lo que The Rolling Stones representan para él y para la cultura occidental, la idea de poner en video y proyectar en salas de cine un concierto por un realizador tan hábil y ágil como el director norteamericano es llevar la emoción montada en celuloide. El film contiene elementos cinematográficos que logran captar toda una historia y nos expresan de manera visual y sobre todo auditiva toda una historia de símbolos culturales que no pretenden demostrar lo que no son, no hablamos de hacerlos quedar como filántropos u hombres con problemáticas personales o con intenciones de conciencia social u otras características que muchos han tratado de representar en televisión o hasta el cine. Tal vez la idea de Martin Scorcece sea más pura y congruente, The Rolling Stones no necesitan una biografía o una antología sobre su larga carrera, solamente hacía falta una representación irreflexiva sobre su propia grandeza

A mi parecer el cine y la música no deberían estar peleados, y es que en el cine podemos percibir un baile entre estas dos formas de expresión artística, asemejándose a una relación de un tango que a la de un vals, a una pelea sensual entre dos sentidos que llaman a nuestra atención. No quiero decir que la música y el cine no puedan generar asombrosas partituras, si no que es muy común que uno de estos dos elementos (uno percibido por la vista y otro por el oído) se imponga sobre el otro. De lo que hablo es que en general en el cine la música es solo un acompañamiento, y que muchas veces la imagen y la historia dotan de sentido a la música, y otras veces en viceversa. Pero no es el caso del film de Martín Scorsese, quien sabe que el sentido lo tiene el momento mismo, y que no quiere representar otra historia imponiendo una imagen, sino que se trata de un trabajo de un fan realizado para todos los demás que también nos declaramos fans de The Rolling Stones.

El rito del Rock ha sido parte de la cultura popular desde mediados del siglo pasado, y en esta ocasión no cambia. Cierto que hay muchos elementos alrededor de toda la magia, pero lo principal ocurre en el escenario, todo lo demás se vuelve secundario. Con explosiones, guitarrazos y gritos del público (principalmente femeninos) estamos frente a una obra de arte de la cinematografía y de la música, pero que lamentablemente será clasificado como un simple video musical.

Las leyendas se saludan entre si, los reflectores y las cámaras muestran a personajes de la cultura popular como simple niños nerviosos y que a pesar de su experiencia temen al ridículo y la vergüenza, artistas que viven del momento y que saben que a pesar de lo fugaz de su expresión, las estrellas y las leyendas se generan a través de esto, de la brevedad del éxtasis. La luz resplandece tanto en la música como desde las cámaras cinematográficas, y lo que resulta de esta unión es una radiación de recuerdos y asombro ante la magia de quienes brillan por su propia cuenta, el arte por el mismo arte.

Lo Mejor: Estamos hablando de una unión de dos disciplinas con propósitos muy similares. Las dos expresiones artísticas y populares más representativas del siglo XX y de principios del XXI se unen en una colaboración de espectaculares imágenes y sonidos, toda una odisea que te hace alucinar, brincar, bailar, cantar y simplemente excitar.

Lo Peor: No creo que exista, no hay historia que se contradiga o se pierda en convencionalismos o ideologías impuestas, simplemente es The Rolling Stones por Martín Scorsese.

¿Será que la Pornografía ya es Algo de la Vida Diaria?

Zack And Miri Make A Porno (Estados Unidos – 2008)


Dirección: Kevin Smith.


Guión: Kevin Smith.
Producción: Scott Mosier y Laura Greenlee.
Dirección de Arte: Elise G. Viola.
Música: James J. Venable y Chris Ward.
Reparto: Seth Rogen (Zack), Elizabeth Banks (Miri), Craig Robinson (Delaney), Jason Mewes (Lester), Jeff Anderson (Deacon), Traci Lords (Bubbles), Katie Morgan (Stacey) y Ricky Mabe (Barry).
Género: Comedia.



Calificación: 7



Desde sus inicios el cine se ha ayudado de la imagen sensual o de la representación del sexo como uno de sus principales elementos para atraer espectadores a sus salas; la imagen del cuerpo femenino como ese objeto del deseo que es visto a través de una mirada masculina es la forma estructurada de la representación del género desde la época clásica del cine, y que es parte fundamental de la construcción de Hollywood y su influencia social, cultural e ideológica en todo el mundo. La pornografía, que es la forma de representar de manera gráfica el acto sexual ha existido en el cine desde su creación, teniendo como primeros registros películas de principios del siglo XX. Con los avances en la informática de los últimos años, la pornografía en el cine ha tenido un recorrido histórico y toda una historia particular digna de contar, una serie de altibajos que lo han llevado desde un anonimato y completo desarrollo “underground” en la primera mitad del siglo XX, pasando por un punto artístico y de producción equiparable con la del cine convencional entre las décadas de los años 70’s y 80’s, inclusive se llegó a generar superestrellas y leyendas en el mundo del porno que fueron considerados como verdaderos artistas en su papeles y trabajos dentro y fuera de las películas, siendo un muy buen ejemplo de lo que les cuento dentro del cine se ve en “Boogie Nights” de Paul Thomas Anderson. El papel del porno en la actualidad se ha tomado como un negocio que es reconocido mundialmente por sus grandes ingresos, y que superan por ejemplo al obtenido por la producción cinematográfica de toda América Latina; y que gracias a la simplificación y a la inmediatez de su obtención (video, dvd e internet) se ha convertido en parte de la cotidianidad. El porno el día de hoy es algo común y constante, considerado como parte de la cultura popular desde hace varias generaciones. Simplemente el abrir una página de internet nos aparecen uno o varios anuncios sobre otros sitios de contenido pornográfico, esto nos indica que la pornografía es un negocio demasiado exitoso, y por eso el simpático personaje de Seth Rogen y su bella amiga, Elizabeth Banks, ven esa opción como la solución para poder salir de sus deudas y empezar una vida mejor. Claro el porno es visto todavía como algo reprobable y privado, pero en una sociedad tan cínica como en la actualidad, el deseo y la excitación son parte fundamental en el proceso de mercadotecnia, se ha simplificado hasta el momento en el que se pierde el juego de la seducción y del doble sentido para llegar a mensajes y representaciones directas sobre la sexualidad humana; la ingenuidad y la inocencia sobre un juego y una sensualidad se pierden en la inmediatez y la centralización del acto sexual, un modelo que se toma desde sociedades modernas en donde las relaciones se minimizan en base a la productividad y el tiempo que es cada vez menor. Además de una visión de las nuevas generaciones, en la que la pornografía se vuelve algo tan cotidiano como la misma programación televisiva. Kevin Smith nos presenta una historia en donde el porno es algo cotidiano, en algo que es parte de la vida del individuo y que es posible contar dentro de un círculo social, por lo tanto se convierte en un campo de la sociedad que es común a la mayoría de los individuos, aunque todavía prevalece dentro de los círculos de lo masculino.

A pesar de que la pornografía se ha convertido en todo un campo de entretenimiento aceptado de manera implícita por la sociedad, las representaciones mantienen una estructura de la dominación masculina por sobre lo femenino. La representación del acto sexual como una agresión del falo masculino hacia la mujer todavía es criticable, y la película de Kevin Smith no es la excepción, ya que pretende hacer una especie de homenaje al negocio de la pornografía en la actualidad, y que mejor forma de expresarlo que tras una historia con personajes que representan lo más común de la sociedad norteamericana, unos tipos de clase media con trabajos que apenas les permiten subsistir y con acceso a placeres pasajeros y de corta duración como la misma pornografía, que la ven como un producto que nunca dejará de ser rentable ya que llama a los deseos naturales y socialmente esenciales del ser humano.

Pero bueno, ya fue mucho de hablar de la cotidianidad del porno, concentrémonos un poco en la película en sí. Kevin Smith nos lleva con unos personajes que a pesar de ser concientes de su simplicidad se sienten a gusto con eso, y que mejor actor / cómico para hacer tal papel que el indiferente Seth Rogen, uno de los nuevos cómicos que junto al director Judd Apatow y todo un grupo de “compinches” han tenido gran éxito en los últimos años, con películas como “The 40 Old Year Virgin” o “Pinneaple Express”. ¿Será que el “nerd” ha logrado ganarle al tipo “cool”? o simplemente es más interesante hablar de un perdedor adorable, tal vez nos identifiquemos más con este último, hablo de que Kevin Smith y Seth Rogen junto a los demás personajes de “Zack And Miri Make a Porno” son perdedores que tratan de sobresalir con algo tan simple como el sexo, (aunque me refiero sobre su simpleza biológica, más no social). Es una buena película, no aburre debido a que sus personajes van de lo “nerd” a lo “cool”, y de igual forma una historia que va de lo cínico al sentimentalismo. Es una buena comedia que atrae en principio por el morbo, pero que prestándole atención nos encontramos con un ritmo narrativo y con diálogos ingeniosos y hasta hilarantes. Viendo la película estamos frente a uno de los directores sobre el género cómico del cine más sagaz y divertido de la actualidad, tal vez junto a Judd Apatow, logrando crear personajes con los cuáles uno se identifica más: “digámosle adiós a la comicidad de lo extraordinario, démosle una bienvenida a lo divertido de lo cotidiano y hasta mediocre”.

La historia no habla de una burla ante lo común, si no de retomar el humor con lo que nos podemos identificar, ya sea el fumar marihuana, el ver porno o el ser infantil, es una nueva forma de comedia, que aunque me he convertido en un cierto seguidor, debo aceptar que tal como me lo mencionó una amiga, es una comedia más dirigida al sexo masculino que al femenino, hasta llegar al punto de que muchas veces es ofensivo para ellas, y si no me creen vean “The 40 Old Year Virgin” (Virgen a los 40), “Knocked Up” (Ligeramente Embarazada) y “I Love You, Man” (Te Quiero Brother), tal vez encuentren al personaje femenino como algo secundario, dispensable y hasta pasajero.

Me gusta la idea de Kevin Smith de que el porno siempre ha tenido como una de sus características peculiares, el retomar historias contadas por el cine convencional para la recreación de historias eróticas, tales como “Star Wars” o hasta “Casablanca”. Es una forma de llevar los elementos y personajes ya establecidos como parte de la cultura de los individuos en la actualidad, hacia un espacio de la fantasía, y que por medio del propio cine se convierte por un momento una “realidad” (pongo comillas ya que no es una experiencia real, sino audiovisual), algo que antes solo se construía en la intimidad de la mente del individuo.

Lo Mejor: El ritmo de la narrativa de Kevin Smith, los diálogos se vuelven por un momento hilarantes. Aunque prefiero hablar de personajes y no de actores (por que se puede volver un culto a las celebridades), Zack y Miri tienen una química especial.

Lo Peor: Como en muchas comedias románticas, y hasta del nuevo tipo que menciono en la reseña, se caen en estructuras sentimentales típicas de Hollywood, e inclusive parece que no son del estilo de Kevin Smith, pero que son un requisito para que la historia haya podido realizarse de manera cinematográfica.

Decir Sí a la Aventura

Yes Man (Estados Unidos / Australia – 2008)

Dirección: Peyton Reed.

Guión: Nicholas Stoller, Jarrad Paul & Andrew Mogel.
Cinematografía (Fotografía): Robert Y. Deoman.
Dirección de Arte: Eric Sundahl.
Música: Mark Everett & Lyle Workman.
Edición: Craig Alpert.
Reparto: Jim Carrey (Carl Allen), Zooey Deschanel (Allison), Bradley Cooper (Peter), John Michael Higgins (Nick), Rhys Darby (Norman) & Danny Masterson (Rooney).
Género: Comedia.


Calificación: 3


Hacer reír es mucho más difícil que hacer llorar, es lo que aseguran y con justa razón los comediantes, pero en los últimos años nos hemos encontrado que el hacer reír dentro de Hollywood debe tener un mensaje o una lección moral dentro de sus historias. Muchos son los actores y comediantes que dentro de sus películas, y en todos los géneros del humor, nos terminan contando sobre el aprendizaje de la vida en alguna lección moralina, y hablo de personajes de Hollywood que hasta parecen tener todo un legado ya que producen constantemente películas año tras año, me refiero a actores con cadenas productivas tan exitosas como Adam Sandler, Ben Stiller, Owen Wilson y en el caso de esta crítica a Jim Carrey. Para éste, no es la primera vez que se enfrenta a una maldición o destino que lo hace entrometerse y participar en situaciones cómicas, algunas de esas hilarantes aunque exageradas gracias a su expresión facial. En este caso se enfrenta a una serie de aventuras con la simpleza de aceptar o de decir que “sí” a todo lo que se le pregunte, a partir de esto le comienzan a suceder experiencias especiales, extrañas pero positivas a la vez, dándole la razón a todo una creencia sobre un destino que tiene que ver con su aceptación a la aventura y a la vida.

En la película nos encontramos con un elemento ya muy identificable en la comedia norteamericana, la “maldición”, un elemento sobrenatural que se convierte en la influencia y en el reconocimiento del personaje en que debe tener un comportamiento y una serie de acciones o si no una especie de “karma”, o hasta el mismo remordimiento y el destino de manera inmediata le regresará esas malas acciones y hasta con mayor fuerza, todo representado en situaciones cómicas que van de lo desagradable hasta lo trágico. Para el personaje de Jim Carrey lo que se trata de evitar es la soledad y el conformismo de la sociedad moderna, encontrando en la simple palabra “sí” (otra vez), la aventura de una vida llena de experiencias distintas. Esta estructura de pensamiento sobre la vida esta basada en los lineamientos morales de una sociedad basada en la religión judío - cristiana, con la idea del pecado y del remordimiento como parte esencial en el comportamiento y en la obediencia sobre lo bueno y lo malo, sobre las consecuencias de las acciones, ya sean buenas o malas.




Exageración, caras deformadas, gritos y movimientos bruscos son parte de la descripción del Jim Carrey que se presentó en el cine en sus primeras película. No llega a la exageración de “Ace Ventura” o “Cable Guy” (Dr. Cable), es más bien el personaje que más se ha adaptado a un público más general, del estilo de “Bruce Almighty” (El Todo Poderoso), un bromista que vive dentro de la clase trabajadora estadounidense. Encontramos mucho del Jim Carrey que gusta de los grandes públicos, un personaje con el cuál se pueden identificar gran parte del público. Con situaciones cómicas, música de relatos comunes, y con una historia que cambia de escenario pero no de esencia, es una formula ya conocida pero que entretiene una vez más.




La aventura de Jim Carrey lo lleva a una serie de lugares que son vistos como parte de la vida cotidiana y que se ha perdido en las relaciones de las sociedades actuales, tales como el salir con los amigos o el buscar una relación de pareja. El decir que “sí” a todo como una aventura de la vida le permite al personaje de Jim Carrey encontrarse con personajes fascinantes y divertidos. Las situaciones que vive no se dirigen a lo trágico, salvo en el caso romántico, si no a una felicidad de explorar espacios que no se imaginaba, y siendo su salvación de forma relativa la inocencia con la cuál se sumerge en situaciones que normalmente el hombre urbano trata de evitar por el simple miedo, como lo es al rechazo, la inseguridad y la incertidumbre. En la actualidad nos encontramos como individuos que solo estamos cómodos o conformes si logramos controlar nuestras acciones presentes y futuras, si sabemos que esperar.

Pero toda aventura debe tener un cómplice y ese papel lo tiene la bella y talentosa Zooey Deschanel, que aparece como el estereotipado personaje alocado y espontáneo que es una de las razones por la cuál el personaje principal se anima a tales acciones, es la atracción y el amor; esos elementos estructurados del cine convencional que logran que el personaje encuentre en el fondo su valentía tras una presentación depresiva y holgazana. Y que como en toda estructura de comedia romántica se encuentra con un explosivo desarrollo seguido del momento en donde la enamorada se da cuenta de que tal vez todo fue parte de una farsa, para que al final resurja en un momento de aprendizaje, demostrándole su amor y explicando como todo fue parte de un proceso de cambio, de que todo lo que expresaba era honesto. Como parte de la estructura narrativa impuesta por Hollywood y que forma parte de la educación moral y sentimental en casi todo el mundo.

Lo que tal vez salve un poco a la película es la intervención de un grupo musical que tiene participación en la película, formado por chicas y que se hacen llamar “Munchausen by Proxy” en el cuál participa Zooey Deschanel (aunque solo en la película). Con música electrónica y con letras extrañas y hasta divertidas sobre las supuestas experiencias de personaje de Zooey, esto nos muestra la otra cara de su talento, como músico, y que en la película lo hace muy bien, y que profesionalmente podemos encontrarla en sus inicios con su grupo “She & Him”.

Lo Mejor: Muy pocas cosas, se destaca la música de The Eels y de Munchausen by Proxy con Zooey Deschanel, por cierto menciono que es talentosa debido a su labor como cantante no como actriz, lo cuál aunque saca unas risas no es lo mejor que se le ha visto, ni siquiera cerca.

Lo Peor: Una película de Jim Carrey que pasa sin ton ni son, pudo haber existido o no, la carrera del comediante será lo mismo a pesar de su existencia, sus mejores interpretaciones serán las consideradas más serias como “Eternal Sunshine Of The Spotless Mind” o “The Truman Show”.

La Aventura y los Sueños de la Vida No Estan Arraigados a la Edad o Juventud

Up (Estados Unidos – 2009)


Dirección: Pete Docter & Bob Peterson.


Guión: Pete Docter, Bob Peterson y Thomas McCarthy.
Producción: Le Con, John Lasseter, Jonas Rivera & Andrew Stanton.
Dirección de Arte: Ralph Eggleston, Bryn Imagire, Harley Jessup, Daniel López Muñoz & Don Shank.
Música: Michael Giacchino.
Reparto: Edward Asner (Carl Fredricksen), Christopher Plummer (Charles Muntz), Jordan Nagai (Russell), Bob Peterson (Dug) & Delroy Lindo (Beta).
Género: Animación, Niños, Familia, Aventura.


Calificación: 9



Amigos contemporáneos, tenemos el privilegio de que a finales del siglo pasado y principios del presente nos encontremos con una auténtica fabrica de sueños que se dedican a realizar cine de animación que demuestra que el arte no esta peleado con el consumo. Lo que más gusta de Pixar es la forma creativa con la que atrapa con sus historias y personajes a espectadores de todas las edades. También es digno de mencionarse que sus avances técnicos han revolucionado significativamente a la forma en que se crean los personajes, los lugares y los espacios en donde se desarrollan las historias, sin perder la sensibilidad del arte cinematográfico. La magia de Pixar ha mantenido un estilo único y artístico a la animación, no se pierde en la locura y el sarcasmo común y momentáneo de otras historias, como ejemplo hay que ver historias que podemos describir como clásicos modernos de humor y drama como “Wall-E” o “Monsters Inc.”. A pesar de que constantemente se le compara con chistes e historias momentáneas como “Shrek”, que usan como gran parte de su éxito el doblaje de estrellas de Hollywood en vez de una narrativa ingeniosa y una expresión artística sobre temas aunque convencionales, magistralmente contadas.




La última obra maestra de estos genios de la animación tiene como historia principal la fantasía de usar muchos globos para hacer volar una casa por los cielos, algo que honestamente es parte de las fantasías de muchas personas de mi generación (los nacidos en la década delos 80’s). La historia nos zambulle inmediatamente en el personaje que realiza esta aventura desde su niñez, recordemos que uno de los personajes principales es un anciano; nos encontramos con un regordete y tímido niño que sueña con la aventura y encuentra a su compañera perfecta, quien sería su compañera de vida, esta pareja son Carl y Ellie. El deseo de la aventura es el tema principal de la película, y nos llega a todos como esos recuerdos de planes inconclusos y de otros cumplidos, todo envuelto en la actitud ingenua e inocente de la infancia que se va perdiendo durante las circunstancias de la vida. que llevan a uno a vivir el “aquí y ahora” estable y permanente, y no el “aquí y ahora” de lo espontáneo y la fascinación constante de quienes tratan de descubrir el mundo por experiencia propia.

El establecerse dentro de los lineamientos que marca la sociedad puede volver a un hombre en un ser áspero y aparentemente insensible, en el clásico amargado de edad avanzada. Pero el personaje de la película “Up”, se presenta como la falsa idea de lo convencional, no es amargura lo que hay en el corazón ni en la actitud de Carl Fredricksen, sino el miedo de comenzar una aventura nueva sin contar con la compañía de su amada, es un temor que siente frente a un mundo que simplemente ya no reconoce. Ha perdido su deseo de aventura que es recuperado inmediatamente ante el recuerdo de la promesa y de circunstancias difíciles en un entorno que ha perdido su magia. Su realidad se ha transformado en una urbanidad que suprime el asombro de la vida cotidiana, y es aquí cuando encuentra de manera accidentada a su compañero de nuevas aventuras Russell un pequeño Boyscout.

Uno de los temas que me pareció interesante es sobre la todavía fascinación del mundo occidental sobre partes de nuestro planeta que no han sido completamente exploradas, me refiero a que en la película la curiosidad por lo exótico que tiene Sudamérica para la ciencia y el conocimiento es sorprendente. Esta curiosidad estimula la imaginación de artistas y del sentido común como una excepción a la lógica urbanizadora y progresista de occidente. Kevin, el ave y Dug, “el perro que habla”, son símbolos vivientes de ese deseo de aventura y de conocimiento que son parte de la naturaleza humana. La inquietud por encontrar y explorar nuevos conocimientos es el sentido propio del ser humano, que se niega a un estancamiento, los personajes buscan la aventura como un deber a sus principios y se topan con conocimientos que reconstruyen completamente su visión del mundo.

La película tiene un mensaje moral típico de una película para la familia, y que parten de los ideales de los Boy Scout que refuerzan los valores sociales y morales ya establecidos. La ayuda y el respeto a los ancianos es un primer tema que se viene a la mente con tan solo ver el póster en la calle; tampoco podemos dejar de lado la figura paterna como ese elemento alentador y de guía por el cuál nos desenvolvemos en nuestra vida, Carl Fredricksen es un modelo de esta figura ya que representa la dureza, la preocupación y el amor paternal, aunque no tiene hijos, estas características son evidentes en su relación con Russell.

Pero algo que cala muy profundo en la mayoría de quienes hemos visto la película es el sentimiento sobre las metas y los deseos que nos hacemos mientras crecemos dentro de la familia y sociedad en la que vivimos, un replanteamiento sobre aquellos lugares en los que nos imaginamos o deseamos estar. El repensar en todas las circunstancias y pretextos que utilizamos para aplazar tales “aventuras”, indecisiones que por temor o pereza se han transformado en conformarse con lo inmediato, con lo cómodo más no con lo aspirado o deseado.

Es otro gran ensayo social de parte de los genios de Pixar, un grupo fuera de lo común gracias a una imaginación tan activa como la de sus creadores, pero que nos obligan a ver que parte de sus características representan ciertos vicios en las sociedades de nuestro tiempo. Un viejo, un niño, un perro que habla y un ave exótica pueden no tener un atractivo comercial, pero demuestran que la imaginación es un gran atractivo comercial. Una conciencia de los elementos que forman parte de nuestras relaciones y construcciones sociales.

Lo Mejor: Nos hace replantear nuestra visión del mundo, y como es que llegamos a donde estamos como personas dentro de la sociedad, esos es demasiado para una película de animación.

Lo Peor: Es casi una perfección, hasta los momentos cursis son acertados, tal vez se demerita un poco por su antecesora que para mi se ha convertido en un clásico, hablo de “Wall-E”, aún así es la mejor película de animación del año, y una de las historias más encantadoras también.

De Niro y Pacino, Tan Clásicos que no Merecen Tal Simpleza

Righteous Kill (Estados Unidos – 2008)


Dirección: Jon Avnet.

Guión:Russell Gewirtz.
Producción: Jon Avnet, Rob Cowan, Randall Emmett, Lati Grobman, Avi Lerner, Alexandra Milchan y Daniel M. Rosenberg.
Cinematografía (Fotografía): Denis Lenoir.
Dirección de Arte: Christina Ann Wilson.
Música: Ed Shearmur.
Edición: Paul Hirsch.
Reparto: Robert De Niro (Tom Kowan), Al Pacino (David Fisk), Carla Gugino (Karen Corelli), 50 Cent (Spider) y John Leguizamo (Det. Simon Perez).
Género: Drama, Thriller Policiaco

Calificación: 6

Han sido muchas y muy variadas las leyendas que giran al entorno Hollywoodense, y no hablo solamente de las creadas a través de magistrales historias e interpretaciones, si no también de aquellas que se enrarecen de anécdotas incompletas y de rumores que son contados como trivialidades por cinéfilos y aficionados al “Behind The Scenes”, o al detrás de la magia del proceso de producción que incluye una película. Una de mis favoritas trata sobre el conflicto de egos entre Robert De Niro y Al Pacino, y que tiene como origen la obtención del afamado papel de Michael Corleone en la extraordinaria saga de la mafia de Coppola: “The Godfather”. Como todos sabemos Al Pacino interpretó al joven mafioso dejándole a De Niro el papel de un joven Vito Corleone que aunque extraordinario, no aparece mucho en pantalla. Y no hay que olvidar aquella película de Michael Mann, “Heat”, en la que protagonizan los dos actores pero donde se rumora que por una enemistad ya antigua no quisieron estar presentes en el mismo plató, obligando al director a utilizar tomas estratégicas que simularan una actuación conjunta y antagónica. Bueno para hacerla un poco más rápida, en la nueva película podemos ver, tal vez por primera vez a estos dos grandes íconos del cine norteamericano y de la ciudad de Nueva York, juntos en la pantalla cinematográfica, aunque a mi parecer esta ansiada unión ante tal fama y niveles de interpretación deja mucho que desear.



Favorito de Scorcece y de una interpretación única, Robert De Niro es un actor que se ha convertido en leyenda, es un artista que ha sabido envolverse dentro de entornos cinematográficos y culturales que van desde su raza (véase “Goodfellas” y “Raging Bull”) hasta la anarquía (véase “Taxi Driver”). De carácter y cara dura, De Niro se vuelve un clásico del cine hollywoodense con pretensiones artísticas y sociales. Con sus personajes podemos aprender de la multiculturalidad de entornos urbanos como Nueva York o Nueva Jersey, en donde la convivencia esta envuelta de violencia y de costumbres estereotipadas. De Niro y sus personajes viven en una constante lucha entre el romper y el seguir con el estereotipo (principalmente italiano) de generaciones que tratan de construir una nueva forma de vida cultural en espacios delimitados, no por el espacio si no por la diferencia cultural.



Explosivo y de voz fuerte, Al Pacino representa a ese joven neoyorquino que lucha por el éxito o por la necesidad entre las clases de una conciencia urbana en construcción, sobre todo a mediados de los años 70’s y principios de los 80’s. Si bien ha pasado por heredero del negocio de la mafia (véase la trilogía “The Godfather”) también lo hemos visto como el héroe de la clase obrera de la “Gran Manzana” (Véase “Dog Day Afternoon” y “Serpico”). Al Pacino también es una leyenda ya que ha generado un estilo tan único que a pesar de impregnar a casi todos sus personajes, ni a críticos ni al público le parecen tediosos ni repetitivos, es un hombre que asombra con su sola presencia. Con una mirada sincera y trasnochada siempre nos recuerda esos momentos de lucidez tras noches intensas.


Pero ya hemos hablado mucho de lo que estos dos actores / símbolos significan para el cine, ahora me dirijo a la película que sirve de pretexto para hablar de los dos, “Righteous Kill” de Jon Avner. Sin ser un director muy reconocido dentro de Hollywood, podemos decir que es eficiente y que tiene momentos de asombro pero que principalmente sigue las reglas de cine tradicional. En la propia película, y su tema, mantiene las reglas hasta un cierto punto, para empezar cuenta con el nombre de estas dos leyendas, que las envuelve en un dilema moral de justicia y de compañerismo. Los investigadores policíacos, mejor conocidos como detectives, se ven dentro de una persecución de un famoso empresario que a su vez es asesino y narcotraficante, pero en donde no hay suficientes pruebas para su detención (véase “The Untouchables” de Brian de Palma donde Robert De Niro interpreta a Al Capone, sin duda una situación similar), aunque no es muy alentador ver a “50 Cent” en tal papel. Me parece que el detectivismo policíaco es un lugar común para que estos dos personajes se desarrollen en un estilo más personal, dos detectives de edad madura, que aunque más lentos y con situaciones ya conocidas, nos deleitan con algo que esperábamos y de todos modos disfrutamos.


No podemos dejar de lado que nos encontraremos con elementos ya considerados clásicos en las películas del género policiaco, elementos que son parte de una psique colectiva construido en un ideal, o de la experiencia común del policía urbano de mitad del siglo pasado al presente. Hablo de problemas psicológicos relacionados con la naturaleza violenta y autodestructiva de los personajes, y que es demostrada en la mayor parte de la película, y que al igual que en muchas historias policiacas se siente una tensión que cruza de un lado a otro la línea de lo moral y de lo correcto sobre las acciones típicas de un guardián de la ley. Estas características son evidentes en los arrebatos violentos de Robert De Niro (aunque las escenas junto a Carla Gugino son de verse, en especial para las pupilas masculinas) y en el constante insomnio de Al Pacino, es un elemento que nos expresa la constante lucha entre el bien y el mal, de saber los límites de lo correcto y del abuso, de quienes tiene el poder de usar la violencia de manera consciente o solo como instrumentos.


Jon Avner trató de utilizar lo clásico para un par de clásicos, lo malo fue que se volvió tan predecible la historia que llega a una simpleza narrativa. No es un gran trabajo, pero llama la curiosidad de ver a estos dos señores juntos. Deja una sensación de que hace falta algo, de que esto ya lo vimos, tal vez sea la misma sensación desabrida que encontramos en “Heat”, una persecución frente a frente entre los egos de los actores. En las partes finales nos podemos dar cuenta de que la película parece estar hecha como un deber a sus seguidores, más que por el deseo de expresar algo nuevo en la pantalla cinematográfica.

Lo Mejor: La presencia de las dos leyendas. Un punto a parte a la sensualidad de carla Gugino, siempre es bueno verla en pantalla.

Lo Peor: La simpleza de la historia no logró que mucha gente se interesara en el mismo producto, creo que el lograr juntar a estos dos actores se merece una gran historia.

Recomendaciones de Cine en el D.F. (México) para el Mes de Julio de 2009

En El Circuito Universitario y Cultural.

· El Carnaval de Sodoma (México / España – 2006) – Dirección: Arturo Ripstein.

Película que tardó mucho en exhibirse en México, la razón principal la podemos deducir de su mismo título. Es sobre un burdel en donde una serie de personajes desarrollan sus cotidianidades, en sus problemas y alegrías, hasta la llegada de una extranjera con aires de princesa, cambiando las relaciones y las dinámicas del burdel. Con Fernando Luján, Alejandro Camacho y María Barranco.
Estará en Cartelera del 28 de Julio al 2 de Agosto de 2008 en la Sala José Revueltas del Centro Cultural Universitario (CCU) en Ciudad Universitaria, con horarios que van de las 12:00 a las 20:30 hrs.

·Erleuchtung Garantiert (Iluminación Garantizada) (Alemania – 1999) – Dirección: Doris Dörrie.

Nos cuenta la historia de un viaje de dos hermanos al Japón para tratar de encontrarse a si mismos. Un viaje que presentará problemas en el duro proceso de asimilar la vida cotidiana en el ser mismo.
Estará en Cartelera del 28 al 30 de Julio de 2008 en la Sala Julio Bracho del Centro Cultural Universitario (CCU) en Ciudad Universitaria, a las 12:00, 16:00, 18:00 y 20:00 hrs. Esta película es parte de la Retrospectiva que visita a la UNAM de la directora Doris Dörrie.

Ciclo: “El Banquete”: Cuarenta películas divididas en todo el mes de Julio para el deleite de los espectadores. Todas estas películas contienen temas o historias con un estrecho vínculo a la comida y sus aportes culturales. El ciclo se dividirá en 5 partes, que van desde las entradas a los platos fuertes. Un ingrediente extra es la participación de “stands” gastronómicos cada domingo, sin duda se prevé algo interesante.
El Ciclo estará en cartelera del 7 de Julio al 2 de Agosto de 2009 en la Cineteca Nacional con el horario fijo de las 18:15 las 20:30, ubicada cerca del Metro Coyoacán. Las secciones son las siguientes:

Los Preparativos (del 7 al 9 de Julio de 2009) – Donde destaca “El Banquete de Bodas” de Ang Lee, presentándose el Miércoles 8 de Julio de 2009.

Los Comensales (del 10 al 16 de Julio de 2009) – Donde destaca “El Discreto Encanto de la Burguesía” de Luis Buñuel, presentándose el Viernes 10 de Julio de 2009.

Los Entremeses (del 17 al 22 de Julio de 2009) – Donde destaca “Delicatessen” de los directores Marc Caro y Jean – Pierre Jeunet, presentándose el Domingo 19 de Julio de 2009.

Las Entradas (del 23 al 29 de Julio de 2009) – Donde destaca “El Festín de Babette” del director Gabriel Axel, presentándose el Viernes 24 de Julio de 2009.

Los Platos Fuertes (del 30 de Julio al 2 de Agosto de 2009) – Donde destaca “Comer, Beber y Amar” del director Ang Lee, presentándose el Viernes 31 de Julio de 2009.

·Ciclo Bandas Sonoras: Cuatro películas clásicas se presentarán los sábados a las 19:00 hrs. de Julio de 2009, un tributo que hace la Cineteca Nacional en conjunto con el Instituto Mexicano de la Radio (IMER), se trata de la musicalización de obras maestras del cine mudo en un concepto actual.

Nosferatu (1922) de F.W. Murnau. 11 de Julio

The Kid (El Chico – 1921) de Charles Chaplin. 18 de Julio

Chelovek s Kino Apparatom (El Hombre de la Cámara – 1929) de Dziga Vertov. 25 de Julio

Metropolis (1927) de Fritz Lang. 1 de Agosto

Esto lo Puedes Encontrar en los Cines Comerciales.

Ya En Cartelera

· La Faute á Fidel! (La Culpa la Tiene Fidel) (Italia / Francia – 2006) – Dirección: Julie Gavras.

Anna es una pequeña niña que vive en parís en los años 70’s, pero de pronto su vida cambia en un movimiento revolucionario como los que ocurren en el mundo, sus padres al sentir que tienen que hacer algo al respecto van dirigiendo a su familia a un cambio radical, dentro de un ideal comunista. Con Julie Depardieu.

My Sister’s Keeper (La Decisión Más Difícil) (Estados Unidos – 2009) – Dirección: Nick Cassavetes.

El hijo del afamado director de culto (su padre es John Cassavetes) nos presenta esta interesante historia donde una niña de 13 años intenta emanciparse legalmente de sus padres ya que fue concebida con la primordial idea de salvara a su hermana mayor, enferma de leucemia, y que ha estado toda su vida sometida a pruebas y demás procesos médicos. Con Abigail Breslin y Cameron Díaz.

·Happy Go Lucky (La Dulce Vida) (Gran Bretaña – 2008) – Dirección: Mike Leigh.

La historia de “Poppy” es muy simple, es una historia que refleja la cotidianidad de alguien en extremo feliz por su vida, y curiosa por todo lo demás. Las relaciones de “Poppy” son tan divertidas como su carácter, ya sea su compañera de departamento, sus hermanas, sus alumnos o con quien le enseña a conducir un automóvil. Con Sally Hawkins.

·Public Enemies (Enemigos Públicos) (Estados Unidos – 2009) – Dirección: Michael Mann.

Esta es la historia del extrovertido John Dillinger, alguna vez considerado el enemigo público número uno de los Estados Unidos. Con un encanto personal y una debilidad a las mujeres y a los medios de comunicación, la película narra los eventos extraordinarios que se dieron en su búsqueda y en sus legendarios asaltos a bancos. Con Johnny Depp, Christan Bale y Marion Cotillard.

A Partir del 10 de Julio Aproximadamente.

·Los Bastardos (México / Francia / Estados Unidos – 2008) – Dirección: Amat Escalante.

Obra esperada y multipremiada que narra un día en la vida de Fausto y Jesús, indocumentados mexicanos que viven en Los Ángeles, su lucha por conseguir trabajo y los problemas cotidianos de su situación. Con un reparto que media entre actores profesionales y amateurs.

·Vals Im Bashir (Vals Con Bashir) (Israel / Alemania / Francia… - 2008) – Dirección: Ari Folman.

Una especie de documental ilustrado con imágenes de ficción en una superposición de animación a lo filmado. Un amigo del director le cuenta un sueño recurrente sobre unos perros persiguiéndolo, se trata de un ex soldado que participó en la guerra de Israel contra Líbano. La curiosidad lo lleva a investigar para comprender y recordar las acciones que realizó en dicha guerra, ya que no puede recordarlas completamente.

·How To Lose Your Friends & Alienate People (Como Perder a tus Amigos) (Gran Bretaña – 2008). Dirección: Robert B. Weide.

Una aparente divertida comedia en donde un periodista vulgar consigue un puesto en una revista de moda y de la alta sociedad. Recordemos que Simon Pegg es un gran cómico, tal vez no con tanta fama pero decente en su estilo. Además actúan Jeff Bridges, Megan Fox y Kirsten Dunst.

·Religulous (Reli…Qué?) (Estados Unidos – 2008). Dirección: Larry Charles.

Un documental satírico al puro estilo de Michael Moore. Ahora es el actor Bill Maher quien pone en jaque a representantes de las religiones de todo el mundo. Con toques de comedia y con el riesgo de ofender a muchas personas trata de descubrir si existen justificaciones razonables para las teorías de las distintas religiones.

A Partir del 24 de Julio Aproximadamente.

·The Uninvited (La Maldición de las Hermanas) (Estados Unidos / Canadá – 2009) – Dirección: Charles y Thomas Guard.

Anna es un pequeña que tras su estancia en un hospital psiquiátrico investiga las circunstancias de la muerte de su madre. Mientras tanto su padre lleva a vivir con ella a Rachel quien fuera la enfermera de su madre. A pesar de que la historia es una clásica de aparecidos, el reparto nos llama un poco a verla. Con Emily Browning, Elizabeth Banks y David Strathairn.

·Transsiberian (El Expreso de Medianoche) (Estados Unidos / Alemania / España / Litualina – 2008) – Dirección: Brad Anderson.

Una pareja va de regreso a su país tras un viaje espiritual a China, su matrimonio no va muy bien y los problemas se agrandan al toparse con otra pareja de españoles con los cuales se desata un conflicto, que un par de investigadores rusos tratarán de resolver. Con un buen reparto, Woody Harrelson, Emily Mortimer, Eduardo Noriega, Kate Mara, Ben Kingsley y Thomas Kretschmann.

·Terminator Salvation (Estados Unidos /Alemania / Reino Unido – 2009) Dirección: McG.

Una de las historias de ciencia ficción más fenomenales del siglo XX se presenta con un nuevo capítulo en la vida de John Connor en su lucha por la humanidad contra Skynet. Que se puede decir de un clásico del cine, a pesar de que su secuela pasada no fue tan buena, las dos primeras son excelentes, esperemos que la película sea digna de tan buena historia. Con Christian Bale, Sam Worthington, Bryce Dallas Howard, Moon Bloodgood y Helena Bonham Carter.

Tony Manero (Chile / Brasil – 2008) – Dirección: Pablo Larraín.

En 1978, en la ciudad de Santiago en Chile, durante un momento socialmente difícil (la dictadura de Pinochet), Raúl Peralta de alrededor de 50 años se obsesiona con “Tony Manero” personaje de John Travolta en “Saturday Night Fever” (Fiebre de Sábado por la Noche. Sus ilusiones de convertirse en una estrella nacional lo llevan a cometer acciones como robos y crímenes. Es una opción de cine latinoamericano que suena bastante simpático.

Mi Lista Final:

Al final de la recomendaciones que estan organizadas mas o menos por lugar de exhibición y fexha de estreno, aquí les van mi lista de estos estrenos de lo que voy a ver primero y de lo que voy a ver de último:

1. Los Bastardos

2. Vals Im Bashir (Vals Con Bashir)

3. Tony Manero

4. Erleuchtung Garantiert (Iluminación Garantizada)

5. Happy Go Lucky (La Dulce Vida)

6. Ciclo "El Banquete" de la Cineteca Nacional (Principalmente "El Discreto Encanto de la Burguesía" de Luis Buñuel)

7. Ciclo "Bandas Sonoras" de la Cineteca Nacional (Principalmente "Metropolis" de Fritz Lang)

8. Public Enemies (Enemigos Públicos)

9. Le Faute A Fidel (La Culpa la Tiene Fidel)

10. How To Lose a Friends & Alienate People (Como Perder a tus Amigos)

11. Religulous (Reli...Que?)

12. Terminator Salvation

13. Transsiberian (El Expreso de Medianoche)

14. El Carnaval de Sodoma

15. My Sister's Keeper (La Decisión Más Dificil)

16. The Uninvited (La Maldición de las Hermanas)